Tesis, Alejandro Amenabar (1996)

Una buena reseña debe incluir lo que el escritor conoce de esa obra antes de enfrentarse a ella. Pues bien, no puedo comentar que conocía o dejaba de conocer cuando me enfrento a esta obra por que han sido tantas veces que no podría acordarme. Hoy escribo acerca de una de esas películas que no nos importa repetir y repetir y repetir. Si comentamos algo acerca de Amenabar es que hace un cine bastante peculiar en España. Y no me refiero a que sus argumentos sean los más originales del planeta, pero si es verdad que son dificiles de encontrar ideas similares en el terreno nacional de aquella epoca. Poco a poco se le han unido artistas como J.A. Bayona y Oriol Paulo, entre otros. 

Una de las cosas que me parece más curiosas de este film es el gran cariño que emana. Hace poco descubrí que Amenabar escribió esta historia junto a su compañero mientras estaba en la universidad realizando sus estudios en comunicación, los cuales no consiguió terminar. De ahi que el largometraje este tan sumamente empapado de ese universo universitario (recordemos que la mayoria de las escenas estuvo rodada en el mismo edificio donde Alejandro recibía clases). 

Otro de los factores que denota que esta obra está llena de Amenabar es ese tema central que es el mundo de lo audiovisual (camaras, videos, escenas violentas, películas snuff), todo ello nos habla de como el director ama todo lo que tenga que ver con el mundo audiovisual. Un gran guiño por parte del realizador es que uno de los profesores de la trama se llama igual que uno que le dió clase al chileno y siempre lo suspendia, se dice que de ahí el resultado del personaje en el film.

Si hablamos acerca de la forma que está grabada tambien nos sorprende mucho pensar que el realizador de la obra unicamente llevase a hombros tres cortometrajes enel momento de rodar Tesis: La cabeza, Himenoptero y Luna. Durante la película encontramos un gran contraste de planes ya que hay momentos en los que el director prefiere usar planos subjetivos y los intercala con planos que tienen efecto de camara rudimentaria. Nos enfrenta la veracidad de la mirada de la protagonista con la "falsedad" a la que se condiciona un elemento cuando le colocas una camara delante.

Como último dato me gustaría alertar a aquellos cinéfilos despistados como yo, que he necesitado ver la película unas diez veces para darme cuenta que el nombre del realizador se ha colado dentro del film ¿Puedes encontrarlo?

Nota: 8,1

Rashomon, Akira Kurosawa

Me enfrento a Rashomon con muchas ganas ya que será una de las primeras obras que veré en los próximos días del director orientál. El argumento de la película es simple pero complejo, alentador pero pesimista, gracioso pero trágico. El gran director juega con un equipo pequeño a nuestros ojos. Poco más de seis personajes son los únicos a los que nos veremos expuestos. En un momento incluso desecha usar una figura física de interrogador para, en mi parecer, hacernos a los espectadores participes en la película (sublime). Sin embargo, entre ellos unicamente interaccionarán tres y tres. Por lo tanto aqui encontramos la gran excisión de la película (La verdadera linea temporal y los flashback). Los pertenecientes a la primera, podríamos llamarlos los verdaderos protagonistas y a los segundos unos falsos protagonistas que, únicamente, son recordados.

Kurosawa se encuentra muy comodo en este trabajo e incluso se permite el lujo de incluir un personaje más de una forma muy sutil, el tiempo meteorológico. En varias ocasiones podemos ver como el realizador cede un papel importante al cielo donde podemos distinguir un sol que acaricia, una lluvia incapacitante, un gran viento o un sol angustioso (que podemos ver en las gotas de sudor en las caras de los personajes). En Rashomon podemos ver como este tiempo meteorológico acaba siendo un elemento importantisimo para la empatía y la total inmersión de la obra. Por ejemplo: una lluvia abundante cuando nos encontramos con un conflicto interior o una frente llena de sudor cuando se nos presenta un combate a muerte. Teniendo en cuenta el año de la obra es una herramiento muy acertada por parte del directo

El poco diálogo incluído no nos sorprenderá, ya que sabemos de donde y de que año procede el largometraje. En Rashomon escuchamos tres testimonios acerca de un homicidio (el marido, la mujer y el delinquente). Todos tienen elementos comunes, una violación y una muerte. Sin embargo, en cada una de las historias uno u otro personaje queda exento de culpa y con mas o menos honor. Es una película que habla de diferentes puntos de vista y de las necesidades o conflictos que cada persona tiene en su interior.

Para terminar me gustaría compartir una interpretación un tanto freudiana de los tres primeros personajes que se asemejan a esa visión que freud le daba al bien, el mal y la persona. El personaje que conoce la verdad acerca del suceso se debate entre la bonda y maldad de las personas (todo esto aliñado con una lluvia cegadora, gracias Akira). Pues bien, los otros dos personajes se pasan gran parte de las secuencias que les conciernen intentando convencer a este personaje principal de una cosa u otra. Hayamos visto o no la película se hace notar que el personaje acabara debatiendose entre esos dos extremos durante todo el film. 

Nota: 8,3

La herida, de Marian Alvarez.

No, no me he equivocado. Efectivamente el director de este film, estrenado en 2013, es Fernando Franco. Sin embargo se podría decir que toda la esencia de la película recae sobre la actriz. Cierto también es que el guión de la misma, realizado por el mismo Franco, potencia que Alvarez se lleve todo el protagonismo. El largometraje expuesto en el pasado festival de San Sebastian nos introduce en la piel, o más bien en los pensamientos, de Ana, una chica trabajadora y aparentemente divertida en su puesto laboral. Sin embargo, cuando el film se adentra en la vida intima de la protagonista, se deja al descubierto que la relación que mantiene con sus seres cercanos no es muy convencional.

El director mete de lleno al espectador en la vida diaria de esta chica mezclando escenas laborales, familiares y de pareja, aunque más que de pareja son escenas que comparte con su movil. Y es que, la problemática con la que tendrá que lidiar Ana es la gran inestabilidad emocional que caracteriza las personas que padecen lo que se llama TLP, o trastorno limite de la personalidad. El guión al que se enfrenta el espectador cuando ve esta película esta perfectamente construido y ensamblado. Equilibrando sucesos trágicos que ocupan la vida de Ana, con situaciones que cualquier persona puede vivir. Se puede decir que el director pretende mostrar una serie de situaciones cotidianas y reflejar como pueden ser vividas por una chica adulta, que, a su vez, no sabe bien como manejar las emociones que le afloran. Para sobrellevar mejor estas situaciones que a Ana le sacan de sus casillas, recurre a otro tipo de comportamientos que serán la piedra angular de su vida en pareja y familiar. Las frustraciones que sufre el personaje de Ana mezcladas con las conductas auto destructivas impregnan y dificultan sus relaciones personales.

Debido a la gran complejidad de la posición en la que se encuentran las personas a las que atañe esta problemática, se puede decir que el plasmarlo en una narración o un largometraje es una tarea muy difícil. Sin embargo el director, ganador de un goya por el trabajo que aquí se comenta, lo supo hacer de la forma más delicada y realista posible. La película no se realizó en forma de protesta social en favor a este tema, ni tampoco en forma de crítica al sistema sanitario. Únicamente Fernando Franco pretende acercarnos a un caso ficticio, una historia como las que sufren miles de personas. Si se presta atención a la caracterizacion de los personajes resulta obvio, se mueven por escena dentro de entornos y estética natural. La habitación de la protagonista, la ambulancia que conduce o una boda son algunos de los escenarios cotidianos donde trascurre la trama.

La película resultó ganadora del premio del jurado en el festival de cine de San Sebastián. En la 28 edición de los premios Goya los galardonados fueron Fernando franco, como director novel y, como no podía ser menor, Marian Alvarez como mejor actriz.

Crítica Cisne negro (Remember)

El cisne negro es una de esas películas que debemos ver más de una, dos y tres veces. Es una película llena de símbolos y interpretaciones. Su director Daren Aronofsky ha realizado varias películas que consagran muchos seguidores. Como es el caso de Requiem por un sueño (obra de culto) y El luchador (que recibió varias nominaciones en los globos de oro y los Oscars, pero que no recaudó mucho éxito). Su próxima obra, Noé, cuenta con Russel Crowde como protagonista y se espera que sea un éxito en taquilla.

El largometraje nos pone en la situación de Nina, una bailarina de ballet que pertenece a una compañía de la ciudad de New York. Las primeras escenas nos muestran que Nina está a punto de asistir a la prueba de fuego de su carrera. La antigua estrella de la compañía, Beth Macintyre, ha sido retirada y el papel que representaba (la reina cisne) está en el aire. Nina vive con su madre, una mujer que ejerció antiguamente de bailarina y que reprime constantemente a la protagonista. La carrera de Nina se ve perturbada cuando entra en juego su competidora Lily, interpretada por una guapísima y sexy Mila Kunis.

La estética de la película esta muy estudiada, siempre se mueve en una dualidad: blanco y negro. Bien y mal, pulsiones y represión. Si bien la historia de nuestra protagonista también tiene mucho que ver con esta dualidad, en cuanto  fotografía, iluminación y vestuario todo encaja en esta linea. Todo el mundo que haya ido a ver este film sabe que, en pocas palabras, "AGOBIA". Es una película que a los pocos minutos de visionado ya te tiene en vilo y esperando con ansia que se desenrede el nudo en el que la protagonista esta inmersa. Al igual que todo el mundo afirmara que la película nos agobiará, también habrá mucha gente que de su propia visión o interpretación a los acontecimientos que presencia Nina. En la película la protagonista sufre efectos disociativos (ve su cara en el cuerpo de otras personas o se ve a si misma caminando por la calle), estos signos serán interpretados por cada uno de nosotros de una u otra forma. Sin embargo la angustia que siente el papel de Natalie Portman es percibido en todo momento, y por todos por igual.

Lo mejor: La forma en que Aronofsky plasma esos trastornos disociativos y la angustia de la paciente, con un ritmo frenético y excelentemente cuadrado visualmente.

Lo peor: Algunas escenas de la película cuesta que cobren sentido y parece que son mas bien escenas para alargar la película o llamar la atención del espectador. El ritmo de la película hace que sea necesario darle mas de un visionado para captar todas las intenciones del film.

Crítica Inside Llewyn Davis

Pistoletazo de salida del blog con una película de los hermanos Coen. Estos cineastas acumulan un total de 16 largometrajes incluyendo el que nos ocupa. Ganadores en cuatro ocasiones del premio Oscar, consiguen siempre un estilo muy particular en sus películas gracias a esos personajes tan únicos y enrevesados. En la reciente gala de los globos de oro, el film "Inside Llewyn Davis" ha pasado muy inadvertido con unas escasas nominaciones (Oscar Isaac como mejor actor y "Please Mr. Kennedy" como mejor canción) y no ha logrado quedar por encima en ninguna de las categorías.

Antes de asistir al cine, lo único que supe de este película es que trata acerca de como un músico talentoso, no es valorado como tal. Al salir del cine únicamente puedo repetir la misma frase "un músico talentoso, no valorado como tal". Tras el primer visionado te quedas como 2 minutos en silencio, digiriendo el final. Un final interesante, ingenioso y que por lo menos yo no creo haber visto antes. El ritmo de la película es estándar, no es una película lenta y tampoco increíblemente dinámica. Algo curioso es que el largometraje no tiene una trama dura y difícil de seguir, es decir, simplemente es "un músico buscándose la vida" no esperas un desenlace o no esperas ese típico golpe de suerte que siempre suele existir en todas las películas. Simplemente observas y como aspiración vital del protagonista, y posiblemente la esencia de la película , le observas "existir".

El punto fuerte de los hermanos Coen como guionistas sin duda son los personajes. Son capaces de hacer a su propio estilo personajes con los que te encariñas facilmente. Tanto con papeles de asesinos en No es país para viejos o policías en Fargo y, en el caso que nos ocupa, musicos. El protagonista, especialmente bien interpretado por Isaac, es un cantante que no nos hace reír en exceso pero que nos saca ese lado tierno. Entendemos todo lo que le pasa y entendemos que trate al mundo con esa apatía. Como suele pasar en los personajes que son bien interpretados (recuerdo que hace poco me paso con el papel de Cate Blanchet en Blue Jasmine) nunca te imaginas a ese papel en otro actor. Si bien intenté no dejarme llevar por ese pensamiento, parece que el papel de Llewyn estaba diseñado para ese Oscar Isaac. Me ha faltado algun secundario genial de los Coen como el papel que tenía John Goodman en El gran Lebowski. Tiene algunos papeles secundarios buenos y divertidos, John Goodman o Carey Mulligan. Pero no salen mas de 15 minutos en total en toda la película por lo que no pueden ni apodarse personajes secundarios.

Acaban de salir las nominaciones de la gran gala de los premios del cine y este film únicamente optará al premio en dos categorías. Si bien parecen pocas, es cierto que esta bien justificado. Miento, yo habría dado una nominación a Oscar Isaac como mejor actor, o mejor dicho mejor Llewyn Davis.

Lo mejor: Los personajes de Caery Mulligan, Adam Driver y Stark Sands. Sin duda enriquecen el film.

Lo peor: La poca explotación que en esta ocasión hacen los Coen de estos papeles. Podrían haber alargado un poco mas la película y enrevesar mas la trama con ellos.

P.D: Como aporte personal, no me pega nada Justin Timberlake en el film.

Hablemos de cine

Arranque de un proyecto que comienza con mucha ilusión. Un blogg creado para que a los que nos gusta el séptimo arte podamos hacer algo mas que leer criticas de "revistas" que están compradas por periódicos que no podrán dar en la vida una mala critica. Únicamente un sitio de reflexión y de descubrimiento de pequeños detalles que quizás en un primer visionado no pudiste ver o tal vez me quieras enseñar algo que yo no advertí.

El cine es una forma de arte que tiene muchas obras, (¿Quizás demasiadas? no, nunca son demasiadas) yo abro desde aquí un portal para comentar una mínima parte de todas ellas. En general mi visión es muy positiva, creo que todas las películas están destinadas a expresar algo. Una película lenta con planos tensos y suspendidos esta destinada a mostrar un sentimiento de tensión, crudo e intentar retar al que visiona el filme a que adivine como esta pensando el protagonista. La policíaca te saca ese sentimiento de dualidad de no saber si vas de parte del bueno o del malo. Una película de superheroes nos quiere transportar a ese mundo fantástico donde existen dioses, animales que te inyectan poderes en el ADN y seres que al enfadarse duplican su tamaño y se vuelven verdes. Una película dramática pretende sacar de nosotros esa catarsis que aveces necesitamos para empatizar con el protagonista y darnos cuenta que lo único que queremos en ese momento es evitar cierto mal que le pesa durante la historia.

Por todo ello HABLEMOS DE CINE, señores. Desde mi infancia pienso que es algo mágico que le saca la sonrisa al huraño y que le saca la maldad al bondadoso. Espero que se entretengan leyendo las criticas y crónicas de un humilde chico que simplemente comenzó a interesarse (¿Quizás demasiado? no, nunca es demasiado) por aquello del cine.